Conseils complexes

Description de la pioche..

Dans cette pioche1 vous trouverez les conseils d'apprentissage plus complexes qui sont présentés dans un ordre aléatoire. Les conseils ci-dessous se révèlent extrêmement bénéfiques pour approfondir l'apprentissage de la pièce que vous avez déjà commencée, ou bien pour évaluer la solidité de vos compétences en matière d'apprentissage, notamment quelques semaines avant un événement tel qu'un concert.

  • Sélectionnez un court passage de votre pièce (2 à 8 mesures) et mettez en pratique l'exercice proposé sur la carte, décrit ci-dessous.
  • ⚠ Si la carte ne vous convient pas, passez à autre chose et continuez à vous entraîner avec d'autres exercices présents dans la pioche.

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1 Cette pioche contient 15 cartes et est soigneusement mélangée à chaque nouvelle consultation.


→ Passez d'une carte à l'autre en glissant votre doigt sur la carte que vous voyez.


  • Compter les mesures
  • Travailler sur le couvercle
  • Jouer la m.d. en chanter la m.g.
  • Organiser les plans sonores
  • Jouer la m.g. en chantant la m.d.
  • Apprendre la m.g. par coeur
  • Jouer lentement
  • Ecouter les noms de notes
  • Traduire les indications
  • Travailler sans pédales
  • Travailler avec le métronome
  • Segmenter
  • Posture
  • Jouer en comptant
  • (Re)définir la direction de la phrase
  • Compter les mesures

    → Est-ce que je sais combien de mesures il y a dans chaque phrase ?

    Afin d’élaborer le sentiment d’unité du fragment, notez le numéro de chaque mesure au-dessus de la barre de mesure, puis jouez les mains ensemble en comptant à haute voix le numéro de chaque mesure.

    Supposons que votre fragment comporte 4 mesures. Dans ce cas, notez les numéros de mesures dans l'ordre inverse, comme suit :

    « 4 » pour la mesure 1 ;
    « 3 » pour la mesure 2 ;
    « 2 » pour la mesure 3 ;
    « 1 » pour la mesure 4.

    Cette numérotation à l'envers s'avère très utile, car elle indique le nombre de mesures restantes avant le prochain fragment.

  • Travailler sur le couvercle

    → Est-ce que c'est facile pour moi de jouer sur le couvercle du piano ?

    Cet exercice, s'il est réalisé avec beaucoup d'attention, offre de nombreux bénéfices. Il vous permet de mémoriser vos doigtés, de prendre conscience de la pulpe de vos doigts et d'apprendre les distances entre les touches. Il vous entraîne également à imaginer les sons et à vous projeter dans « l'image sonore » de votre pièce, créant ainsi une « narration ».

    Pour cet exercice, jouez votre morceau sur le couvercle du piano ou sur une table tout en chantant. Puis, sans chanter.

    Il est vrai que cet exercice peut être difficile et déstabilisant. Au début, vous pourriez vous retrouver à oublier vos doigtés, par exemple, et avoir des difficultés à « jouer ». Ne vous inquiétez pas, car il nécessite une dissociation peu commune. Si cela se produit, reprenez calmement votre partition et concentrez-vous sur une partie du fragment que vous travaillez. Jouez-le lentement au piano, puis répétez-le à nouveau sur le couvercle.

    Les passages les plus déstabilisants sur le couvercle sont justement ceux qui ont besoin d’être précisés.

  • Jouer la m.d. en chanter la m.g.

    → Est-ce que c'est facile pour moi de jouer la main droite en chantant la main gauche ?

    Jouez la main droite seule en chantant la main gauche. S’il y a des doubles notes, choisissez un « trajet » : soit la voix supérieure de la main gauche, soit la voix inférieure, puis inversez. Faites de la partie de la main gauche (de la basse) une véritable mélodie qui dialogue et accompagne celle de la main droite.

  • Organiser les plans sonores

    → Est-ce que j'ai bien organisé les plans sonores ?

    Dans la plupart des pièces, on peut distinguer trois couches (ou plans) sonores : la mélodie, la basse et l'accompagnement, et il est souhaitable d'établir une hiérarchie entre eux. Voici leurs caractéristiques :

    1. La mélodie est une ligne musicale avec une identité forte, facilement reconnaissable et souvent simple à chanter et à mémoriser. Elle se situe dans les aigus et est généralement la ligne la plus haute (sauf dans certains cas où elle se trouve dans les médiums ou les graves, ce qui est plus rare). La mélodie doit être placée au « premier plan » du tissu musical, ce qui signifie qu'elle doit être radicalement plus forte que les autres plans.
    Cependant, il est essentiel de rester vigilant quant aux hiérarchies entre les notes au sein de cette voix. Même si cette voix est dominante, cela ne veut pas dire qu'il faut jouer toutes les notes de manière équivalente en termes de nuance.

    2. La basse a pour fonction de constituer un fondement aux harmonies. C'est une voix qui occupe le « 2ème plan » sonore, étant moins importante que la mélodie mais plus importante que l'accompagnement. C'est la ligne la plus grave.

    3. L'accompagnement est le plan le moins important, situé entre les deux extrêmes.
    Cependant, il incarne une sorte de réverbération harmonique, offrant un soutien et une profondeur à la mélodie et à la basse.
    Il est important de noter que ce plan peut bien évidemment être subdivisé en plusieurs sous-plans qui seraient pris en charge par différents instruments orchestraux dans notre imagination.


    Exemple 1 :



    BRAHMS - Intermezzo op.119 n°2
    (mes.56-57)

    ______________
    1 Ici, nous distinguons clairement les trois plans. Vous avez sans doute remarqué qu'il y a des notes qui ont disparu lorsque nous avons effectué cette distinction. Ces notes se situeraient sur un quatrième plan que nous avons choisi de ne pas mentionner afin de ne pas alourdir la notion des plans sonores.

  • Jouer la m.g. en chantant la m.d.

    → Est-ce que c'est facile pour moi de jouer la main gauche en chantant la main droite ?

    Jouez la main gauche seule en chantant la partie la main droite. Si la main droite représente la mélodie de votre morceau, vous aurez l'impression de vous accompagner, ce qui procure une sensation très agréable !

    Cet exercice permet de travailler la coordination et l'écoute de deux voix simultanées (en même temps). Au début, cela peut sembler un peu difficile avant de s'y habituer. Cependant, persévérez, car vous récolterez de grands bénéfices et une fluidité très gratifiante !

  • Apprendre la m.g. par coeur

    → Est-ce que j'ai appris la partie de la main gauche par cœur ?

    La main gauche est souvent celle qui réalise le « rythme harmonique » (la fréquence de changement des harmonies).

    Il est important de l'apprendre par cœur pour consolider la mémoire.
    Faites-le comme s'il s'agissait d'une pièce à part entière. Une pièce, peut-être, un peu étrange. Savourez cette étrangeté comme contribuant au charme de la pièce.

  • Jouer lentement

    → Suis-je capable de jouer très lentement ?

    Il est important de préciser à plusieurs reprises toutes les informations relatives à l'exécution de votre pièce (rythme, notes, indications de nuances, gestes, etc.) dans un tempo très lent, tout en veillant à ce que cette approche ne génère pas de stress. Le fait de retravailler lentement vous permettra d'assimiler sereinement tous les gestes, évitant ainsi ce que l'on pourrait qualifier d'erreurs.

    • Placez vos deux pieds à côté des pédales.

    • Choisissez un tempo très lent.

    • Essayez de lier les notes entre elles avec vos doigts.

    • Soyez attentif à votre pulsation. Si vous êtes confronté à des difficultés, la pulsation peut fluctuer au début. Cependant, quelle que soit la situation, il est essentiel que vous preniez conscience du fait que vous la percevez.

  • Ecouter les noms de notes

    → Est-ce que j'entends les noms de notes en jouant ?

    Approfondissez la précision de votre écoute en suivant ces trois étapes :

    • Commencez par travailler en prononçant à haute voix les noms de notes présentes dans la mélodie, puis dans la ligne des basses, tout en jouant les deux mains ensemble.

    • Effectuez cette démarche d'abord en jouant, puis vérifiez si vous pouvez le faire sans jouer, en vous concentrant uniquement sur le chant.

    • Enfin, sans prononcer les noms de notes à voix haute, mais en jouant seulement, essayez d'écouter comment les noms de notes résonnent en vous.

  • Traduire les indications

    → Est-ce que toutes les indications sur la partition me sont claires ?

    • S'il y a des mots que vous ne comprenez pas, cherchez la traduction de toutes ces indications et écrivez-la sur votre partition.

    • Réfléchissez à la manière dont ces mots peuvent influencer votre jeu et intégrez ces façons dans votre interprétation.


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      Télécharger le lexique allemands

  • Travailler sans pédales

    → Est-ce que je me suis entrainé à jouer sans pédales ?

    Afin de mieux mémoriser les durées des sons et les distances qui séparent les touches, travaillez sans utiliser la pédale forte, ni la pédale « Una Corda » (appelée également, la pédale douce).

  • Travailler avec le métronome

    → Est-ce que je suis capable jouer avec le métronome ?

    La force rythmique confère une dimension particulière à notre expression musicale. Pour aborder le travail du temps musical, l'utilisation du métronome est un recours possible, car il indique la pulsation et met en évidence nos écarts par rapport à celle-ci. Il est crucial d'étudier le fragment d'un point de vue métrique extrêmement précis, pour ensuite pouvoir s'en écarter dans le but de chercher un temps vivant.

    Il est important de noter que le métronome est uniquement un moyen, un outil pour établir et vérifier le rythme. Il ne doit en aucun cas être considéré comme une garantie d'un jeu expressive, ni comme une finalité en soi.

    • les montées métronomiques : Réglez le métronome à un tempo où vous vous sentez à l'aise. Jouez le passage à plusieurs reprises. Ensuite, augmentez le tempo de 3 à 5 bpm (battements par minute) et rejouez le même passage. Continuez d'augmenter la vitesse du métronome jusqu'à atteindre le tempo souhaité, puis revenez progressivement au tempo lent avec lequel vous avez commencé.


      BEETHOVEN - Sonate op.14 n°1; ler mouvement (mes. 1-2)


    • métronome à contretemps : Le métronome bat désormais sur les temps faibles. Cet exercice peut sembler complexe au départ, mais une fois maîtrisé, il renforcera considérablement votre perception de la pulsation.


    • métronome à la mesure : le métronome indique maintenant l’entièreté de la mesure (battement très lent)

  • Segmenter

    → Est-ce que j'ai divisé le passage que je travaille en courts motifs ?

    To chunk - couper en morceaux (ang.)

    Tout comme dans un discours verbal, le discours musical s’organise en phrases, qui sont constituées de mots de plusieurs syllabes. Nous allons appeler ces mots des « chunks ». À l’intérieur de chaque mesure, découpez le discours musical en petits bouts de 2, 3 ou 4 notes (pas plus). Jouez ces « chunks » en vous arrêtant sur la dernière note du groupe.

    Ensuite, enchaînez sans interruption tout en maintenant cette séparation entre les groupes dans votre esprit, mais assurez-vous évidemment de ne pas le faire entendre. Vous constaterez certainement que toute la section sera plus compréhensible pour vous et donc pour votre auditeur.

    Cet exercice est très favorable à la clarté des traits rapides.

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    L'exemple présent sur la carte : MOZART - Sonate pour piano n°17 K.545; 1er mouvement (mes.9)

  • Posture

    Gardez à l'esprit qu'une grande partie de la qualité sonore découle de l'adoption d'une posture confortable et optimale.

     Télécharger la fiche posture


    Voici quelques conseils à suivre :

    • Choisissez un tabouret suffisamment ferme (mais pas trop dur) pour que votre bassin soit bien posé. Évitez de vous asseoir dans un fauteuil ou sur un canapé.

    • Réglez la hauteur du tabouret et sa distance par rapport au piano de manière à ce que vos coudes soient ouverts à un angle de 100° à 120°

    • Imaginez que les touches blanches se prolongent infiniment derrière vous, formant un plan. Posez ensuite vos coudes sur ce plan imaginaire.

    • Dans votre esprit, visualisez une division horizontale de votre tabouret et asseyez-vous sur la moitié la plus proche de l'instrument.

    • Assurez-vous que vos pieds touchent le sol. Si ce n'est pas le cas, utilisez un rehausseur de pédales » ou un support tel qu'une caisse en bois pour combler l'espace manquant.

    • Maintenez une connexion avec le sol de manière à pouvoir vous lever à tout moment.

    • Orientez votre tête de manière à ce qu'elle vous « mène » vers le plafond.

    • Soyez attentif à l'espace entre le piano et votre buste. Pour mieux le ressentir, imaginez que vous tenez un grand ballon.

  • Jouer en comptant

    → Est-ce que j'ai une compréhension claire des temps ?

    Jouez toutes les notes les mains ensemble en comptant les temps à voix haute.
    Vous pouvez également « marcher » la pulsation en même temps.
    Marcher la pulsation veut dire lever les pieds en alternance (l’un, puis l’autre) de sorte que le pied se décolle entièrement du sol, puis regagne le contact avec le sol en même temps que la note jouée et chantée.

  • (Re)définir la direction de la phrase

    Essayez de trouver l’événement musical remarquable dans chaque phrase musicale. Cela peut être une nuance : un forte, un pianissimo, ou un accent, ou encore une couleur harmonique très différente des autres. Souvent cet événement est précédé par une « progression » - crescendo, diminuendo, accelerando, ritenuto, etc. Comme un astre important, cet événement est une sorte de « centre de gravité » qui attire la matière musicale, qu'on appelle aussi un « climax » ou un « point culminant ».

Découvrez les conseils :
simples ★✩✩
complexes ★★✩
exigeants ★★★
La Super Pioche


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