Enrichir ma pratique

Pour apprendre à faire de la musique, il paraît pertinent de s'inspirer des autres musiciens. Écoutez des compositions pour votre instrument, des œuvres orchestrales et des pièces vocales afin de vous immerger dans diverses œuvres et approches de jeu. Cela ne manquera pas de vous impressionner et de susciter en vous le désir de vous investir davantage dans votre pratique musicale.

En plus de découvrir les grands chefs-d'œuvre, l’écoute régulière de la musique nous renseigne sur les différentes esthétiques, les compositeurs, les interprètes et leurs visions artistiques. Cela constitue un apprentissage complémentaire et tout aussi essentiel à votre pratique instrumentale.

Les psychanalystes Jean LAPLANCHE et Jean Bertrand PONTALIS parlent de l'imprégnation comme d’un élément constitutif de nos identités : « l’identification est le processus par lequel, un sujet assimile un aspect, une propriété, un attribut de l’autre et se transforme totalement ou partiellement sur le modèle de celui-ci. La personnalité se constitue et se différencie par une série d’identifications. »

Cette pensée rejoint celle de Robert KOZMAN (1991), chercheur en sciences de l'éducation. Selon lui, l’apprentissage « peut être vu comme un processus actif et constructif au travers duquel l’apprenant manipule stratégiquement les ressources cognitives disponibles de façon à créer de nouvelles connaissances en extrayant l’information de l’environnement et en l’intégrant dans sa structure informationnelle déjà présente en mémoire. »

Nous pouvons interpréter ces pensées sous le prisme du bénéfice de l’écoute de la musique qui influence fortement et fait évoluer nos identités de musiciens.

De nos jours, nous avons un accès immédiat à de nombreux enregistrements. Cependant, assister à un concert ou à une représentation d'opéra offre une expérience unique et immersive. Nous vous recommandons de multiplier et de renouveler ces expériences pour enrichir votre pratique musicale.

17 œuvres à (re)découvrir :

MONTEVERDI - Cruda Amarilli (Madrigal, 1605)

BACH - Air sur la corde de sol (1717-1723)

MOZART - Concerto pour piano et orchestre n°23 k.488 (1786)

BEETHOVEN - La Sonate pour piano n°23 en fa mineur, op. 57, dite l’Appassionata (1805)

SCHUBERT - Quintette en Do-Majeur d.956 (1828)

CHOPIN - Ballade n°1 en Sol minor, Op. 23 (1835)

SCHUMANN - Dichterliebe op.48 (1840)

LISZT - La leggierezza, s.144 (1845-1849)

BRAHMS - Sonate pour Violon et Piano n°3 op.108 (1878-1887)

DEBUSSY - Rêverie (1890)

RACHMANINOV - Concerto n°2 pour piano et orchestre (1901)

SCRIABIN - Sonate n°5 op.53 (1907)

RAVEL - La valse (1920)

PROKOFIEV - Concerto n°2 op.16 (1923)

LIGETI - Musica ricercata n°7 (1951-1953)

UNSUK CHIN - Toccata (étude n°5, 2003)

SCHOELLER - Archaos Infinita I & II (2006)

Parfois, on peut ressentir le besoin d’exprimer ses réflexions concernant son évolution dans une sorte de journal de bord. Imaginez ce que vous pourriez y écrire si vous en aviez un : vos réflexions sur les pièces que vous jouez actuellement ? Les œuvres que vous souhaitez interpréter à l'avenir ? Votre emploi du temps d'entraînement ? Vos réflexions sur vos cours ?..

Dans tous les cas, nous vous invitons à envisager ce cahier comme une sorte de journal intime, uniquement destiné à vous-même et à vos réflexions. Ce pourrait être un endroit où vous pourriez exprimer librement vos pensées et sentiments liés à votre pratique de musicien.

Notez dans votre agenda à l'avance les plages horaires que vous allez consacrer à votre pratique quotidienne du piano et détaillez les tâches que vous allez accomplir. Cette approche favorisera considérablement votre progression !

Le sociologue Alfred Schütz conçoit la notion d'action comme un processus préconçu (Schütz, 1998). Ainsi, toute action peut être perçue comme la concrétisation d'un projet. L'interaction entre ces deux notions, « action » et « projet » , met en évidence l'importance de la planification.

Selon le docteur en psychologie Léandre Bouffard et ses collaborateurs (2001), « la planification est un exercice mental qui prépare l'action. Elle englobe l'exploration des possibilités, la recherche des moyens, la spécification des étapes et la prévision des stratégies telles que la résolution de problèmes (D'Zurilla et Chang, 1995), la gestion du stress (Schafer, 1992) et la simulation de l'action (Taylor et Pham, 1996).

Par ailleurs, Gollwitzer (1996) a démontré qu'une bonne planification facilite le démarrage et la régulation de l'action, améliore la performance, réduit le stress et, par conséquent, favorise le bien-être psychologique.

Nous pouvons donc formuler l'hypothèse qu'une bonne planification favorise également l'apprentissage au piano.

La pratique pianistique est une activité complexe et comme tout apprentissage, elle se fonde sur notre mémoire. Pour améliorer nos compétences, il faut réviser régulièrement ce que nous avons déjà appris et se confronter à de nouvelles informations. La répétition régulière permet de mieux les assimiler et de les mémoriser.

Demandez à votre professeur combien de temps vous devez consacrer à votre pratique quotidienne en dehors du cours. Essayez de pratiquer tous les jours, même si ce n'est que pendant quelques minutes, en vous imposant des objectifs bien définis.

Par exemple: « en 10 minutes, je consolide la partie de la main gauche en chantant ou bien en 15 minutes j’apprends 2 mesures par cœur. »

Apprendre un peu tous les jours peut être plus efficace que d'essayer d'apprendre une grande quantité d'informations en une seule fois. En effet, cela permet de mieux se concentrer sur peu d'informations à la fois et d'éviter une fatigue qui peut être provoquée par un apprentissage intensif.

Enfin, apprendre un peu tous les jours peut aider à maintenir l’envie de pratiquer le piano et à éviter de remettre la séance au lendemain. 

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Faites un bilan de votre expérience en tant que pianiste, y compris les disciplines complémentaires que vous suivez, afin de déterminer les aspects que vous pourriez améliorer cette année et l'année prochaine.

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Tout d’abord, en composant, le pianiste est confronté à la manipulation d’une variété de savoirs, qui concernent notamment l’harmonie, le rythme, la forme, etc. Cette pratique peut contribuer à approfondir sa compréhension de la musique et sa capacité à la transmettre à un public.

En outre, la composition peut favoriser le développement de la technique pianistique, car les moyens techniques seront élaborés par l’élève en fonction de son projet expressif.

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Votre évolution pianistique sera d'autant plus significative que vous réaliserez un plus grand nombre de prestations publiques dans l'année.

Toute pratique musicale implique la notion de partage, et la pratique pianistique ne fait pas exception. Les musiciens perfectionnent leurs aptitudes afin de partager une expérience riche avec le public. Si cette expérience est l'objectif ultime de la pratique pianistique, il semble logique d'organiser son apprentissage musical en fonction des performances publiques.

Mais comment peut-on se préparer au mieux pour ces prestations ? Faut-il s'exercer intensément avant de monter sur scène ? L'expérience scénique est une expérience extra-ordinaire (en dehors du quotidien) pour laquelle le meilleur moyen de s'y preparer est d'y faisant face directement. En d'autres termes, plus nous jouons devant un public, mieux nous sommes préparés à jouer pour un public. Par conséquent, bien que la préparation soit indispensable, elle ne nous entraine qu’à un jeu en solitaire.

Il est donc conseillé d'organiser son apprentissage en multipliant les expériences de scène en suivant un schéma simple :

1. préparation
2. plusieurs séances de « rodage » devant un public restreint 3 à 2 semaines avant le concert
3. le concert lui-même

Dans la théorie de la « typification » du sociologue Alfred SCHÜTZ, nous pouvons observer les avantages de jouer fréquemment en public, liés aux interactions entre les expériences passées et futures : « tous les projets de mes actes à venir sont basés sur la connaissance dont je dispose au moment de l’élaboration du projet. C’est mon expérience d’actes menés auparavant, similaires dans leur typicalité au projet, qui vient nourrir cette connaissance. » (SCHÜTZ, 1998)

« L’expérimentation, lorsqu’elle engage une réflexion portant sur les fondamentaux [...] devient un vecteur de découverte, pour tout un chacun, de sa capacité à exprimer musicalement son entendement du monde. » ¹

Cette belle citation de Sylvie Lannes nous fait comprendre que l'improvisation apparaît d’abord comme une pratique de l'expression personnelle spontanée. Sa valeur la plus importante semble résider dans le fait que le cadre de cette pratique (ce qu'on a le droit de faire et ce qui est interdit) n’est établi que par l'improvisateur lui-même et est issu de sa volonté intérieure. Ainsi, elle permet de réfléchir à ce que nous savons déjà sur les nuances, les rythmes, les harmonies, les formes, etc., et de cette façon, d’apprendre et d’évoluer musicalement à partir des connaissances que nous possédons ici et maintenant.

Nous pouvons improviser seul ou avec d'autres musiciens. L’improvisation peut s’inscrire dans un cadre tonal et imiter le style d’un compositeur en particulier. Mais elle peut aussi s’appuyer sur les écritures et les modes de jeu des musiques d’aujourd’hui (on parle alors d’improvisation « générative » ). Finalement, la notion d'improvisation prend une signification particulière dans les musiques de jazz.

« L’improvisation libre se démarque des pratiques compositionnelles parce qu’elle est une façon de « vivre le temps » spécifique, car« immédiate », sans appui sur un support intermédiaire. Elle est l’occasion de faire l’expérience musicale rare et rigoureuse d’un « temps à venir » sans aucune consigne opérationnelle, connaissance référencée ou partition pré-déterminante du temps et de l’espace à occuper. Improviser n’est pas « réaliser un futur objet », c’est « effectuer un trajet », individuel ou collectif, en appui sur le présent, un omniprésent même, mais en rebond sur le passé, proche ou lointain. »

Le piano, en tant qu'instrument polyphonique, offre une vaste richesse de répertoire. Sa capacité à imiter l'orchestre lui confère une autonomie particulière. Il est important de considérer son essence métaphorique, présente au cœur même de son répertoire. En effet, les compositeurs adoptent souvent des écritures visant à exprimer la vocalité ou les qualités spécifiques d'autres instruments, comme le legato par exemple.

Pour mieux appréhender les différents timbres instrumentaux et vocaux, il est recommandé de pratiquer la musique d'ensemble, la musique de chambre, le lied ou la mélodie.

En jouant avec d'autres musiciens, on développe efficacement la notion de pulsation.

Dans un groupe de musique de chambre, il est crucial de parvenir à une vision commune de l'œuvre en dialoguant avec les autres musiciens. Cette aptitude est essentielle à développer en tenant compte du ressenti d'autrui avec un langage précis et adapté, que l'on soit musicien professionnel ou amateur, afin de s'épanouir musicalement et humainement au sein d'un collectif.

Pour enrichir davantage l'expérience artistique, il est essentiel de s'engager dans une activité physique sollicitant la synchronisation des mouvements et renforçant les muscles posturaux responsables de l'équilibre qui est si important dans la pratique du piano. Ainsi, il est fréquent d'observer que les personnes qui pratiquent régulièrement une activité physique adoptent une approche harmonieuse de leur instrument, notamment grâce à leur posture.

Il est donc recommandé de s'adonner régulièrement à une activité physique et de s'intéresser à la notion de la présence au mouvement et à la représentation précise de son corps. Diverses techniques et méthodes telles que la méthode Pilates, le yoga, la technique Alexander, la méthode Feldenkrais, le body mapping, etc., favorisent le développement de la technique pianistique.

Si vous ressentez des douleurs lors de la pratique, il est important de réagir rapidement en suivant plusieurs démarches : demander des conseils à différents musiciens et consulter des professionnels de la santé. Au-delà du traitement ponctuel des symptômes, il est crucial de considérer que les douleurs peuvent émerger d’une représentation erronée du corps ou d’une focalisation exacerbée sur une partie du corps (comme les doigts ou les bras, par exemple), ce qui s’oppose à la notion de l’attention inclusive, développée par Thomas Mark (2003), qui nous invite à considérer le corps de musicien dans son ensemble.

Dans cette perspective, la cognition incarnée (ou embodiment), concept issu de la psychologie cognitive, explore l'interaction entre la cognition et le corps en remettant en question la frontière entre le corps et « l'esprit ». Le travail sur la technique pianistique peut alors être envisagé comme une exploration des liens et une interrogation des frontières entre l’écoute du musicien, sa motricité corporelle, l'instrument, l'acoustique et l'expérience de l'auditeur.

Il est important pour un élève de former son propre rapport au jeu pianistique en complétant les propos de son professeur par la lecture d'ouvrages sur l’interprétation, le corps du pianiste ou encore l’organisation de son apprentissage. 

Voici une liste d'ouvrages qui pourraient enrichir sa pratique pianistique. Elles s’adressent aux grands élèves, les parents d’élèves et les enseignants.

CAULLIER, J. (2011). L’art d’interpréter la musique : Un essai d’anthropologie culturelle. Tumultes, 37, 189-209.

DESCHAUSSÉES, M. (1982). L’homme et le piano. Édition van de velde

GAGNEPAIN, X. (2017). Du musicien en général... au violoncelliste en particulier. Philharmonie de Paris

GALLWEY, W. T. (1997). The inner game of tennis. Random House.

KAEMPER, G. (1968). Techniques pianistiques. Paris : Alphonse Leduc.

MARK, T. (2003). What every pianist needs to know about the body. GIA Publications, Inc. Chicago.

NEUHAUS, H. (1971). L’art du Piano. Van de Velde.

SCHUMANN, R. (1848). Conseils aux jeunes musiciens.

VARRO, M. (2007). L'enseignement vivant du piano, sa méthode et sa psychologie. Proximités, EME.

SCHMIDT-SHKLOVSKAYA, A. (1985). De l’éducation des aptitudes pianistiques. Léningrad, « Muzyka ».

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La lecture à vue ou le déchiffrage est une pratique qui s’oppose au travail minutieux que l’on fait habituellement dans les classes de piano. Le déchiffrage peut être comparé à l’esquisse qui est un croquis rapide et approximatif réalisé pour représenter une idée clé. Selon l’expérience que l’on a, ce croquis sera plus ou moins détaillé, mais la notion de l'essentiel devra toujours être présente. Le déchiffrage est bénéfique à l’épanouissement musical pour plusieurs raisons.

Premièrement, grâce à cette pratique, nos capacités à organiser, à gérer et à établir les priorités s’éveillent et nous permettent de saisir l’idée musicale, comme si nous apprenions à comprendre le sens en réunissant les lettres que l’on lit dans des mots.

Deuxièmement, grâce à la découverte de nouvelles pièces, nous accumulons des connaissances sur les enchaînements harmoniques (cadences…), sur les différentes formes compositionnelles (forme lied, forme sonate…) et sur les façons de composer pour piano (gammes, arpèges, accords…). Cela nous donne un bagage grâce auquel nous allons plus facilement aborder un nouveau morceau. 

Finalement, cette compétence favorise l’accès à la musique de chambre en permettant de jouer avec d’autres musiciens en peu de temps d’apprentissage du nouveau morceau.

Il est recommandé de pratiquer le déchiffrage seul ou avec les amis musiciens (pianistes, chanteurs, instrumentistes) de manière régulière afin de découvrir ses bénéfices. Il existe de nombreuses techniques de déchiffrage qui peuvent être exportées dans les classes spécialisées, comme les classes d’accompagnement vocal et instrumental.

Le fait d’assister aux cours des autres élèves a énormément de vertus sur notre apprentissage pianistique. Grâce aux « neurones miroirs », en voyant un pianiste jouer, notre cerveau s’active de la même manière que si nous jouions nous-mêmes. Cela peut nous permettre de mieux comprendre les mécanismes internes qui animent notre jeu. 

De plus, nous pouvons acquérir une meilleure compréhension de certaines notions grâce à la redite du professeur qui peut formuler ce que nous savons déjà d’une manière nouvelle.

En outre, certaines de nos lacunes sont parfois plus évidentes lorsque nous les observons à distance. Ainsi, nous pouvons mieux les prendre en compte pour réagir.

Par ailleurs, il existe d'autres cours qui peuvent nous passionner de la même manière que le piano. Analyse musicale, histoire de la musique, écriture, direction, harmonie au clavier, improvisation, composition, accompagnement vocal et instrumental et tant d’autres, ce sont des cours qui abordent la musique de différents points de vue et apportent un éclairage nouveau et essentiel à la pratique pianistique.

Les conseils de votre professeur sont inestimables. Cependant, il existe de nombreuses informations essentielles pour votre développement en tant que pianiste qui sont difficiles à transmettre par le langage seul. C'est pourquoi il est important d'apprendre en observant d'autres pianistes jouer. Il ne s'agit pas simplement de copier fidèlement une interprétation, bien que cela puisse être un exercice enrichissant (pratiqué abondamment dans d'autres domaines, comme la peinture). L'idée est plutôt de porter son attention sur les choix musicaux des interprètes et sur les mouvements de leur corps en interaction avec les sonorités qu'ils produisent. Cette observation permet d'explorer tout un éventail de différentes manières de jouer. Consulter régulièrement des vidéos (ou assister à des concerts) constitue une forme d'apprentissage non verbal.

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