Apprendre par fragments

Cette série de cartes est la plus complète. Elle est conçue pour vous aider à apprendre une partie de la nouvelle pièce que vous travaillez en ce moment. Organisée en 3 étapes (qui demandent approximativement 20 minutes chacune), elle comporte 54 cartes. 

Il est recommandé de commencer par lire attentivement la description de chaque carte avant de réaliser l'exercice demandé. Pendant votre entrainement, gardez la carte sous les yeux pour vous focaliser sur l'énoncé. Placez votre smartphone sur le pupitre et passez à la carte suivante lorsque vous estimez avoir terminé l'étape précédente en glissant votre doigt sur l'écran.

Cependant, en fonction de votre progression, vous avez la liberté de prendre plus de temps sur une carte ou de la sauter. Par exemple, si vous trouvez qu'il est inutile de marquer les barres de pulsation, vous pouvez passer cette carte. De même, si une autre carte vous pose des difficultés, vous pouvez la passer sans rester bloqué et continuer avec les exercices suivants.

 15 minutes

La première étape est un moment préparatoire où nous allons aborder un fragment de la pièce, comprenant jusqu'à 8 mesures, à la manière d'un chef d'orchestre. Cette préparation est essentielle pour se faire une première impression de la pièce (ou de l'un de ses fragments), que nous allons peu à peu incarner dans les deux étapes suivantes.

Cette étape comporte 14 cartes :

1. Réunir les conditions

2. Étirements

3. Le calme et l'enthousiasme

4. Sans vouloir faire ses preuves

5. Choisir un fragment

6. Écrire les numéros de mesures

7. Définir la direction

8. Noter les tonalités

9. Relever le rythme harmonique

10. Définir « l'image sonore »

11. Noter les pulsations

12. Diriger en fredonnant

13. Diriger en fredonnant de mémoire

14. Écrire les doigtés

Avant de commencer votre séance d'apprentissage, assurez-vous que toutes les conditions favorables à la concentration sont réunies.

• Coupez-vous les ongles
• Mettez votre portable en mode silencieux
• Prévenez vos proches que vous avez besoin de calme
• Préparez tout le matériel dont vous allez avoir besoin ⎼ les partitions (scotchez les pages si besoin), les crayons, le métronome, etc.

Il peut être difficile de maintenir sa concentration sur l'entièreté de la nouvelle pièce. C'est pourquoi nous vous suggérons de la considérer comme une série de courts bouts musicaux. Nous nommerons ces bouts des fragments, qui comporteront de 2 à 4 mesures.

• Choisissez un fragment que vous allez travailler.

• Lorsque vous allez appliquer les exercices qui vont suivre sur le fragment que vous avez choisi, arrêtez-vous sur la première note du fragment suivant (sur le 1er temps).

• Évitez de dépasser le fragment que vous avez décidé de travailler.

Pour mieux comprendre l'unicité (ou la cohésion) du fragment que vous avez choisi, notez le numéro de chaque mesure au-dessus de la barre de mesure.

Supposons que votre fragment comporte 4 mesures. Dans ce cas, notez les numéros de mesures dans l'ordre inverse, comme suit :

« 4 » pour la mesure 1 ;
« 3 » pour la mesure 2 ;
« 2 » pour la mesure 3 ;
« 1 » pour la mesure 4.

Cette numérotation à l'envers s'avère très utile, car elle indique le nombre de mesures restantes avant le prochain fragment.

Cette notation vous sera utile lors d'un exercice où vous jouerez en prononçant les numéros de mesures.

Essayez de trouver l’événement musical remarquable dans le fragment que vous avez choisi. Cela peut être une nuance : un forte, un pianissimo, ou un accent, ou encore une couleur harmonique très différente des autres. Souvent cet événement est précédé par une « progression » - crescendo, diminuendo, accelerando, ritenuto, etc. Comme un astre important, cet événement est une sorte de « centre de gravité » qui attire la matière musicale, qu'on appelle aussi un « climax » ou un « point culminant ».

Le « rythme harmonique » est la fréquence de changement des harmonies. Souvent, une nouvelle basse (la note la plus grave) indique cette fréquence.

Repérez ces changements et relevez combien d’harmonies différentes sont présentes dans la section.

Si possible, chiffrez-les.

Ces informations vous seront utiles par la suite dans l'exercice « Choral ».

« L’image sonore » est ce que la musique représente pour vous. Demandez vous quelle « histoire » réside dans le cœur du fragment que vous travaillez. Est-ce qu’elle vous évoque une émotion particulière ? Est-ce qu’elle vous fait penser à des faits réels ? Durant cette étape d’apprentissage il s’agit de formuler la motivation « profonde » qui vous donne envie de jouer ce fragment. Cette motivation est parfois appelée la « tâche artistique ». Demandez-vous ce que vous voulez communiquer à travers cette section à votre public. Si votre « narratif » ne parviendra pas en lui-même au public, la précision de votre intention touchera inévitablement son imaginaire.

À l’image du battement de cœur, la pulsation est un pouls musical qui sert de repère lorsque nous écoutons de la musique. Lorsque nous jouons, il est important de communiquer distinctement ce pouls, sinon notre auditeur ne pourra pas « comprendre » le contenu musical. Dans un premier temps, il s’agit de repérer cette pulsation. Placez les « barres de pulsation » en traçant des lignes qui traversent les deux portées (cette approche semble judicieuse car elle permet de mettre en valeur la coordination entre les mains). L’espace entre deux barres doit impérativement correspondre à 1 « temps ». Le temps qui s’écoule entre les 2 barres de la pulsation est toujours le même.

BACH - Petit prélude n°1, BWV 939 (mes.9)

Fredonner = Chanter à mi-voix

Avant de jouer, chantez à mi-voix la mélodie de la section, comme si c'était une berceuse, tout en marquant la pulsation ou en dirigeant. Cette « chanson » vous servira de modèle que vous allez détailler et embellir par la suite à l’aide de l’instrument. Rappelez-vous que les nuances¹, les articulations² et les progressions³ font partie de la musique.

• diriger à 2/4
• diriger à 3/4
• diriger à 4/4

Maintenant que vous connaissez la mélodie, chantez la même chanson de mémoire en battant la pulsation ou en dirigeant sans regarder la partition. Faites-le plusieurs fois.

Noter les doigtés sur la partition est bénéfique pour se rappeler des positions des mains sur le clavier. En répétant un passage avec le même doigté, vous gagnerez beaucoup de temps lors de l'apprentissage.

Commencez par essayer les doigtés déjà indiqués sur la partition. Si vous les trouvez appropriés, vous pouvez les conserver et les compléter en écrivant un doigté pour chaque note manquante. En revanche, s'ils ne vous conviennent pas, rayez-les et remplacez-les par vos propres doigtés.

Si aucun doigté n'est présent sur la partition, écrivez le premier doigté qui vous vient à l'esprit pour chaque note. Essayez-le, puis ajustez-le si nécessaire.

Gardez à l'esprit que le doigté va se modifier au cours de l'apprentissage. À mesure que vous vous familiarisez davantage avec le morceau, il se peut que vous changiez parfois de doigté sans vous en rendre compte. Il est essentiel de le réécrire sur la partition à chaque fois que vous trouverez une meilleure solution.

Avant de poursuivre, faites une courte pause, car après un temps d'apprentissage, notre cerveau a besoin de « digérer » les informations. Profitez-en pour vous servir un verre d'eau, vous étirer ou simplement regarder par la fenêtre.

 20 minutes

La 2^ème étape est un moment très méticuleux de l’apprentissage qui consiste à faire la rencontre des notes et des rythmes tout en travaillant sur la coordination des mains.

Cette étape comporte 25 cartes :

1. Écouter ?

2. Posture

3. Sans pédales

4. Tempo lent. Enchaînement fluide

5. Noter les intervalles de la m.g.

6. Jouer en chantant la m.g.

7. Jouer la m.g. en marchant la pulsation

8. Jouer la m.g. en comptant les temps

9. Jouer la m.g. en comptant les mesures

10. Noter les intervalles de la m.d.

11. Jouer en chantant la m.d.

12. Jouer la m.d. en marchant la pulsation

13. Jouer la m.d. en comptant les temps

14. Jouer la m.d. en comptant les mesures

15. Jouer la m.d. en chantant la mg.

16. La m.g. en chantant la m.d.

17. Chanter / Écouter

18. Choral

19. Liberer le poignet, le coude et la clavicule

20. Mains ensemble en marchant la pulsation

21. Marcher la pulsation à la mesure

22. Mains ensemble en comptant les temps

23. Mains ensemble en chantant la m.g.

24. M.g. par coeur

25. Mains ensemble avec la pédale

À cette étape, vous avez le choix entre deux approches :

• Écouter une ou plusieurs interprétations de votre pièce (ou seulement du fragment que vous travaillez) pour vous baser sur un ensemble de références comme sur un support qui vous guide.


• Délibérément ne pas écouter d'enregistrements afin de construire solidement les fondements de votre interprétation en toute autonomie, sans être influencé.

Avant de placer vos mains sur le clavier, assurez-vous de vous installer de manière à adopter une posture confortable et optimale pour jouer du piano.

 Télécharger la fiche posture

Voici quelques conseils à suivre :

• Choisissez un tabouret suffisamment ferme (mais pas trop dur) pour que votre bassin soit bien posé. Évitez de vous asseoir dans un fauteuil ou sur un canapé.

• Réglez la hauteur du tabouret et sa distance par rapport au piano de manière à ce que vos coudes soient ouverts à un angle de 100° à 120°

• Imaginez que les touches blanches se prolongent infiniment derrière vous, formant un plan. Posez ensuite vos coudes sur ce plan imaginaire.

• Dans votre esprit, visualisez une division horizontale de votre tabouret et asseyez-vous sur la moitié la plus proche de l'instrument.

• Assurez-vous que vos pieds touchent le sol. Si ce n'est pas le cas, utilisez un rehausseur de pédales » ou un support tel qu'une caisse en bois pour combler l'espace manquant.

• Maintenez une connexion avec le sol de manière à pouvoir vous lever à tout moment.

• Orientez votre tête de manière à ce qu'elle vous « mène » vers le plafond.

• Soyez attentif à l'espace entre le piano et votre buste. Pour mieux le ressentir, imaginez que vous tenez un grand ballon.

Afin de mieux mémoriser les durées des sons et les distances qui séparent les touches, travaillez d’abord sans utiliser les pédales. Le moment de leur utilisation sera mentionné vers la fin de cette série.

Notez les intervalles de la ligne des basses et prononcez-les à haute voix.
Faites-le même travail sur les voix intermédiaires.

La main gauche est elle-même une grande mélodie qui est très différente de celle de la main droite. Il est fondamental de bien savoir la chanter, ainsi que de la mémoriser pour qu’elle puisse soutenir la main droite.

• Chantez la partie de la main gauche avec le nom des notes tout en jouant. Prenez soin de la chanter tenant compte des nuances¹, des articulations² et des progressions³.

• Sans prononcer le nom de notes à voix haute, mais en jouant seulement, essayez maintenant d'écouter comment les noms de notes résonnent en vous.

Jouez la main gauche, chantez et « marchez » la pulsation en respectant les barres de pulsation que vous avez écrites précédemment. Marcher la pulsation veut dire lever les pieds en alternance (l’un, puis l’autre) de sorte que le pied se décolle entièrement du sol, puis regagne le contact avec le sol en même temps que la note jouée et chantée.

En respectant les pulsations que vous avez écrites, jouez la main gauche et comptez les temps à voix haute. Essayez plusieurs façons de compter :

• en comptant de façon très distanciée, c’est-à-dire en prononçant « 1 », « 2 », « 3 », « 4 », sèchement et sans émotion tout en essayant de garder la pulsation régulière, sans ralentir ni accélérer.
• essayer de compter avec des nuances¹, plus ou moins fort ou plus ou moins doux, selon ce qui est indiqué sur la partition.

Afin d’élaborer le sentiment d’unité du fragment, jouez la main gauche en comptant à haute voix le numéro de chaque mesure que vous avez indiqué précédemment.

• Chantez la partie de la main droite avec le nom des notes tout en jouant. Prenez soin de la chanter en tenant compte des nuances¹, des articulations² et des progressions³.

• Sans prononcer le nom des notes à voix haute, mais en jouant seulement, essayez maintenant d'écouter comment les noms des notes résonnent en vous.

Jouez la main droite, chantez et « marchez » la pulsation en respectant les barres de pulsation que vous avez écrites précédemment.

Marcher la pulsation veut dire lever les pieds en alternance (l’un, puis l’autre) de sorte que le pied se décolle entièrement du sol, puis regagne le contact avec le sol en même temps que la note jouée et chantée.

En respectant les pulsations que vous avez écrites, jouez la main droite et comptez les temps à voix haute. Essayez plusieurs façons de compter :

• en comptant de façon très distanciée, c’est-à-dire en prononçant « 1 », « 2 », « 3 », « 4 », sèchement et sans émotion tout en essayant de garder la pulsation régulière, sans ralentir ni accélérer.
• essayer de compter avec des nuances¹, plus ou moins fort ou plus ou moins doux, selon ce qui est indiqué sur la partition.

Afin d’élaborer le sentiment d’unité du fragment, jouez la main droite en comptant à haute voix le numéro de chaque mesure que vous avez indiqué précédemment.

Maintenant inversez la tendance: jouez la main droite seule en chantant la main gauche. S’il y a des doubles notes, choisissez un « trajet » : soit la voix supérieure de la main gauche, soit la voix inférieure, puis inversez. Faites de la partie de la main gauche (de la basse) une véritable mélodie qui dialogue et accompagne celle de la main droite.

Jouez la main gauche seule en chantant la partie de la main droite. Si la main droite représente la mélodie de votre morceau, vous aurez l'impression de vous accompagner, ce qui procure une sensation très agréable !

Cet exercice permet de travailler la coordination et l'écoute de deux voix simultanées (en même temps). Au début, cela peut sembler un peu difficile avant de s'y habituer. Cependant, persévérez, car vous récolterez de grands bénéfices et une fluidité très gratifiante !

Un choral est une composition musicale apparue au XVI^e siècle destinée à être chantée à plusieurs voix (souvent à 4). Selon les différentes chorals, l’écriture peut être homorythmique (les 4 voix chantent avec le même rythme) ou polyrythmique (les 4 voix chantent avec des rythmes différents). Les chorals les plus emblématiques sont issus de la composition de J.S.Bach (1685-1750).

Dans cet exercice, il convient de jouer toutes les harmonies en homorythmie (toutes les notes en même temps, ce qui va donner lieu à un enchaînement d’accords), et de mémoriser le fragment que vous travaillez comme si c’était un choral. Cela va vous être utile afin d’intégrer les positions au clavier et les couleurs harmoniques.

Vérifiez que vos articulations sont bien mobiles et que votre tonus musculaire n'est pas excessif.

Pour détendre les muscles entre la tête et les épaules (les muscles trapèzes), abaissez doucement vos épaules et effectuez des mouvements de tête vers la gauche, puis vers la droite à deux reprises.

Ensuite, réalisez de petits mouvements circulaires pour vérifier la mobilité de vos omoplates et de vos clavicules.

Enfin, assurez-vous que vos coudes et vos poignets peuvent bouger librement sans résistance.

Jouez maintenant toutes les notes les mains ensemble en « marchant la pulsation ».

Marcher la pulsation veut dire lever les pieds en alternance (l’un, puis l’autre) de sorte que le pied se décolle entièrement du sol, puis regagne le contact avec le sol en même temps que la note jouée et chantée.

Jouez toutes les notes les mains ensemble en comptant. Vous pouvez continuer à « marcher ».

Jouez les mains ensemble en chantant la partie de la main gauche.

La main gauche est souvent celle qui réalise le « rythme harmonique » (la fréquence de changement des harmonies).

Il est important de l’apprendre par cœur assez tôt quand vous abordez le nouveau morceau. Faites-le comme s’il s’agissait d’une pièce à part entière. Une pièce, peut-être, un peu étrange. Savourez cette étrangeté comme contribuant au charme de la pièce.

Ça y est, c’est le moment d’essayer votre section avec pédale. Appuyez-vous sur le « rythme harmonique » (la fréquence de changement des harmonies) que vous avez relevé précédemment pour imaginer un changement de pédale cohérent.

Voici quelques conseils généraux de changement de pédale qu’il faut adapter à chaque situation :

• Chaque nouvelle harmonie doit être accompagnée d'une nouvelle pédale, de sorte que les harmonies ne se mélangent pas entre elles.

• Évitez de mettre la pédale dans les chromatismes.

• Modulez la pédale à l’oreille en ajustant l'enfoncement de votre pied en fonction de ce que vous entendez.

• Variez la pédale sans nécessairement aller « au fond ».

• Veillez à ce que la pédale soit complètement relâchée à chaque fois, sans faire de bruit, en maintenant le pied en contact avec elle.

Avant de poursuivre, faites une courte pause, car après un temps d'apprentissage, notre cerveau a besoin de « digérer » les informations. Profitez-en pour vous servir un verre d'eau, vous étirer ou simplement regarder par la fenêtre.

 20 minutes

En nous appuyant sur les aptitudes que nous avons acquises, cette dernière étape nous aide à finaliser l'apprentissage d'un fragment que nous avons choisi, afin d'ancrer les informations plus profondément.

Cette étape comporte 15 cartes :

1. Posture

2. Micro-groupements

3. Jouer sur le couvercle

4. Détailler les articulations

5. Détailler les nuances

6. Détailler les plans sonores

7. Diriger en fredonnant de mémoire à nouveau

8. Jouer dans la tête. Imaginer le jeu sans piano

9. Les yeux fermés

10. Décider du tempo final

11. Métronome

12. Mains ensemble en comptant les mesures

13. Travailler les éventuels changements de tempo

14. Se rappeler de l'image sonore

15. S’enregistrer / Écouter

Avant de placer vos mains sur le clavier, assurez-vous de vous installer de manière à adopter une posture confortable et optimale pour jouer du piano.

 Télécharger la fiche posture

Voici quelques conseils à suivre :

• Choisissez un tabouret suffisamment ferme (mais pas trop dur) pour que votre bassin soit bien posé. Évitez de vous asseoir dans un fauteuil ou sur un canapé.

• Réglez la hauteur du tabouret et sa distance par rapport au piano de manière à ce que vos coudes soient ouverts à un angle de 100° à 120°

• Imaginez que les touches blanches se prolongent infiniment derrière vous, formant un plan. Posez ensuite vos coudes sur ce plan imaginaire.

• Dans votre esprit, visualisez une division horizontale de votre tabouret et asseyez-vous sur la moitié la plus proche de l'instrument.

• Assurez-vous que vos pieds touchent le sol. Si ce n'est pas le cas, utilisez un rehausseur de pédales » ou un support tel qu'une caisse en bois pour combler l'espace manquant.

• Maintenez une connexion avec le sol de manière à pouvoir vous lever à tout moment.

• Orientez votre tête de manière à ce qu'elle vous « mène » vers le plafond.

• Soyez attentif à l'espace entre le piano et votre buste. Pour mieux le ressentir, imaginez que vous tenez un grand ballon.

Tout comme dans un discours verbal, le discours musical s’organise en phrases, qui sont constituées de mots de plusieurs syllabes. Nous allons appeler ces mots des « chunks ». À l’intérieur de chaque mesure, découpez le discours musical en petits bouts de 2, 3 ou 4 notes (pas plus). Jouez ces « chunks » en vous arrêtant sur la dernière note du groupe.

Ensuite, enchaînez sans interruption tout en maintenant cette séparation entre les groupes dans votre esprit, mais assurez-vous évidemment de ne pas le faire entendre. Vous constaterez certainement que toute la section sera plus compréhensible pour vous et donc pour votre auditeur.

Cet exercice est très favorable à la clarté des traits rapides.

Cet exercice, s'il est réalisé avec beaucoup d'attention, offre de nombreux bénéfices. Il vous permet de mémoriser vos doigtés, de prendre conscience de la pulpe de vos doigts et d'apprendre les distances entre les touches. Il vous entraîne également à imaginer les sons et à vous projeter dans « l'image sonore » de votre pièce, créant ainsi une « narration ».

Pour cet exercice, jouez votre morceau sur le couvercle du piano ou sur une table tout en chantant. Puis, sans chanter.

Il est vrai que cet exercice peut être difficile et déstabilisant. Au début, vous pourriez vous retrouver à oublier vos doigtés, par exemple, et avoir des difficultés à « jouer ». Ne vous inquiétez pas, car il nécessite une dissociation peu commune. Si cela se produit, reprenez calmement votre partition et concentrez-vous sur une partie du fragment que vous travaillez. Jouez-le lentement au piano, puis répétez-le à nouveau sur le couvercle.

Les passages les plus déstabilisants sur le couvercle sont justement ceux qui ont besoin d’être précisés.

Concentrez-vous à présent sur le détail des articulations¹.

______________
¹ Articulations : legato, staccato, tenuto.  Ce sont les différentes manières de passer d’une note à l’autre, en liant (legato), en détachant (staccato), en étant particulièrement attentif à la façon dont on arrête le son après une certaine durée (tenuto).

Concentrez-vous à présent sur le détail des nuances¹.

 Télécharger la fiche nuances

Dans la plupart des pièces, on peut distinguer trois couches (ou plans) sonores : la mélodie, la basse et l'accompagnement, et il est souhaitable d'établir une hiérarchie entre eux. Voici leurs caractéristiques :

1. La mélodie est une ligne musicale avec une identité forte, facilement reconnaissable et souvent simple à chanter et à mémoriser. Elle se situe dans les aigus et est généralement la ligne la plus haute (sauf certains cas où elle se trouve dans les médiums ou les graves, ce qui est plus rare). La mélodie doit être placée au « premier plan » du tissu musical, ce qui signifie qu'elle doit être radicalement plus forte que les autres plans.
Cependant, il est essentiel de rester vigilant quant aux hiérarchies entre les notes au sein de cette voix. Même si cette voix est dominante, cela ne veut pas dire qu'il faut jouer toutes les notes de manière équivalente en termes de nuance.

2. La basse a pour fonction de constituer un fondement aux harmonies. C'est une voix qui occupe le « 2^ème plan » sonore, étant moins importante que la mélodie mais plus importante que l'accompagnement. C'est la ligne la plus grave.

3. L'accompagnement est le plan le moins important, situé entre les deux extrêmes.
Cependant, il incarne une sorte de réverbération harmonique, offrant un soutien et une profondeur à la mélodie et à la basse.
Il est important de noter que ce plan peut bien évidemment être subdivisé en plusieurs sous-plans qui seraient pris en charge par différents instruments orchestraux dans notre imagination.

Exemple ¹ :

Maintenant que vous connaissez la mélodie, chantez la mélodie de la section de mémoire en battant la pulsation ou en dirigeant sans regarder la partition. Faites-le plusieurs fois.

• diriger à 2/4
• diriger à 3/4
• diriger à 4/4

Projetez-vous maintenant de façon plus spécifique dans l'exécution de la pièce. Fermez les yeux et imaginez que vous êtes en train de jouer.

• Imaginez comment votre torse et vos bras vont bouger quand vous allez jouer « pour de vrai »

• Imaginez comment vous allez placer vos doigts sur les touches

• Imaginez les distances entre les différents intervalles

Imaginez tous les mouvements que vous allez faire pour jouer la pièce. Déroulez cette chorégraphie dans votre tête en gardant une pulsation. D’abord lentement et par petit bouts. Ensuite, dans un tempo plus allant en enchaînant de façon fluide.

À cette étape, il convient de se demander : « À quel tempo précis vais-je jouer ce fragment¹ lors du concert ? »

Nous vous invitons alors à mesurer l'écart entre votre compréhension de l'indication du tempo, telle qu'indiquée par le compositeur, et les 3 à 5 interprétations de vos pianistes préférés. Ensuite, rapportez ce tempo sur la partition en bpm².

Sachez toutefois que cette valeur est susceptible d'évoluer dans le temps.

La force rythmique confère une dimension particulière à notre expression musicale. Pour aborder le travail du temps musical, l'utilisation du métronome est un recours possible, car il indique la pulsation et met en évidence nos écarts par rapport à celle-ci. Il est crucial d'étudier le fragment d'un point de vue métrique extrêmement précis, pour ensuite pouvoir s'en écarter dans le but de recherche du « temps vivant. »

Il est important de noter que le métronome est uniquement un moyen, un outil pour établir et vérifier le rythme. Il ne doit en aucun cas être considéré comme une garantie d'un jeu expressive, ni comme une finalité en soi.

• les montées métronomiques : Réglez le métronome à un tempo où vous vous sentez à l'aise. Jouez le passage à plusieurs reprises. Ensuite, augmentez le tempo de 3 à 5 bpm (battements par minute) et rejouez le même passage. Continuez d'augmenter la vitesse du métronome jusqu'à atteindre le tempo souhaité, puis revenez progressivement au tempo lent avec lequel vous avez commencé.

  
  BEETHOVEN - Sonate op.14 n°1; l^er mouvement (mes. 1-2)

  
  

• métronome à contretemps : Le métronome bat désormais sur les temps faibles. Cet exercice peut sembler complexe au départ, mais une fois maîtrisé, il renforcera considérablement votre perception de la pulsation.

  

  
  

• métronome à la mesure : le métronome indique maintenant l’entièreté de la mesure (battement très lent)

  

Afin d’élaborer le sentiment d’unité de la section, jouez les mains ensemble en comptant à haute voix le numéro de chaque mesure que vous avez indiqué précédemment.

Lorsque nous jouons, il n'est pas toujours possible de saisir pleinement l'ensemble de l'image sonore que nous produisons. C'est pourquoi l'enregistrement peut servir de référence objective.

Enregistrez-vous et répondez aux questions suivantes :

• Est-ce que la « tâche artistique » que vous souhaitez communiquer au public est potentiellement perceptible ?
• Quelles éventuelles divergences observez-vous entre ce que vous aviez prévu et ce que vous entendez sur l'enregistrement ?

Refaites un enregistrement une deuxième fois en corrigeant ce qui a attiré votre attention.

Vous avez accompli un travail remarquable qui portera rapidement ses fruits.

À présent, faites une courte pause, car après une période d'apprentissage, notre cerveau a besoin de « digérer » les informations. Profitez-en pour vous servir un verre d'eau, vous étirer ou simplement regarder par la fenêtre.

Ensuite, passez à un autre fragment de votre pièce et revenez plus tard sur celui que vous venez d'apprendre. Cette approche vous permettra de mieux intégrer les informations et les compétences acquises.

Recommencer

Pioches